71 ° Festival Internacional de Cine de Venecia, Lido de Venecia, Italia 28 de agosto - 6 de septiembre de 2014 Por Rossella Valdrè y Elisabetta Marchiori, Sociedad Psicoanalítica Italiana Traducción al inglés por: Flora Capostagno Leer en Italiano

"El arte es subversivo porque está conectado con el inconsciente.
Cuanto más conectada está una película con el inconsciente, más subversiva es. Como son los sueños ".
(David Cronenberg)

Por segundo año consecutivo, psicoanalistas de la Sociedad Italiana de Psicoanálisis (Rossella Valdrè, Elisabetta Marchiori y Massimo De Mari), que comparten la pasión por el cine y el psicoanálisis, asistieron a la 71 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, un evento cultural de resonancia mundial. , enviando un comentario diario “en vivo” sobre las películas vistas - con sus impresiones y sensaciones del ambiente general - a la página web de nuestra Sociedad (www.spiweb.it ).

Recordemos que el cine y el psicoanálisis parecen compartir un destino inseparable: nacieron juntos a finales del siglo pasado. Desde entonces la magia del cine, su capacidad de retratar el sueño y el mundo interior de los humanos, ha sido objeto de especial interés para el psicoanálisis. Uno alimenta al otro: coincidimos con Cronenberg en afirmar que el cine, como psicoanálisis, es por naturaleza un “acto subversivo”. Desligado del sentido común, se relaciona con el sueño: tiene que representar la realidad, pero también transfigurarla, hacerla especial y poética a través de la narrativa personal del director, el rostro específico del actor. Debo agregar que habiendo estado en otros festivales de cine, que siempre han sido excelentes, esta atmósfera mágica se destaca por la singularidad del Lido de Venecia, una isla suspendida en la laguna. Una posición “en el limbo” que parece permitir a las imágenes un acceso más fácil al inconsciente.

Pasemos al Festival de este año. Por primera vez el presidente del jurado es un músico, Alexandre Desplat, compositor francés de bandas sonoras de renombre internacional, que concluyó el discurso de sus premios con la expresión más francesa: ¡Vive la musique! Vive le cinéma!

Como siempre el calendario es rico y variado, ofreciendo un escenario de las artes cinematográficas de todo el mundo: se han presentado cincuenta y cinco películas, veinte de las cuales en competición, más catorce cortometrajes y diecinueve clásicos restaurados (de los que el Premio es para Una giornata particolare de Ettore Scola, Oscar 1978 al mejor director y al mejor actor). Estos últimos son más que un mero homenaje al pasado: una contribución seria al rescate de obras maestras amenazadas por el olvido, no muy diferente de la restauración de lo alejado operada por el psicoanálisis.

Es imposible enumerar todas las películas reseñadas y me limitaré a la película de apertura, el apreciado Birdman de Alejandro G. Iñárritu, interpretado por Michael Keaton; Entre las diez o más películas italianas tanto dentro como fuera de competición, Hungry Hearts de Saverio Costanzo, con sus actores Alba Rohrwacher y Adam Driver recibiendo a Coppa Volpi como mejores actores, la oscura saga familiar del Anime Nere. Luego, los conmovedores homenajes biográficos a dos ilustres nombres de la literatura y la poesía italianas, Pasolini de Abel Ferrara y el Giacomo Leopardi de Il giovane favoloso de Mario Martone. Un fresco de toda la gama de emociones humanas y, por tanto, profundamente cercano a la mirada psicoanalítica: Corazón hambriento y luego uno de la historia con la espléndida La mirada del silencio de Joshua Oppenheimer, que expone el genocidio indonesio subestimado y gana el Gran Premio del Jurado (en las emotivas palabras de Tim Robbins, "una verdadera obra maestra"); el malestar de la familia contemporánea y de nuestros hijos mostrando su alienación (I nostri ragazzi); realidades sociopolíticas distintivas (desde el sur de Italia en Anime Nere, Belluscone hasta las diversas películas orientales premiadas); las historias de niños y adolescentes (Terre battue, Le dernier coup de marteau, Sivas, Nadie hijo, Theeb); el inescrupuloso universo económico globalizado (99 Hommes), la irreductible nostalgia del drama israelo-palestino (Villa Touma, una interpretación totalmente femenina) o la soledad (Manglehorn).

Seriedad y calidad son los adjetivos que distinguen la selección de películas de este año: todas ellas, como ha señalado Alexandre Desplat, elegidas entre obras que abarcan el compromiso político y social, así como el humanismo y la poesía.

Humanismo y poesía. “El cine activa al niño que llevamos dentro”, como ha dicho Saverio Costanzo. Quizás el premio León de Oro al sueco Roy Andersson, Una paloma sentada en una rama reflexionando sobre la existencia, de manera similar el León de Plata al ruso Končaloski por Las noches blancas del cartero reflejó el deseo de privilegiar el alma poética del cine, sus míticas cualidades de cuento de hadas, así como destacar el drama y la miseria de la humanidad. Incluso en la representación más fiel de la realidad, el cine nunca es una simple reproducción: es la figura poética del autor la que transpone la realidad en arte.

Me gustaría resaltar la originalidad de la iniciativa, también del Festival de Cine de Tribeca, apoyado por el Consejo Editorial de SPIWEB y coordinado por PR Goisis, a cargo del área de cine.  http://www.spiweb.it/index.php?option=com_content&view=categories&id=380&Itemid=449

Se trata de una cobertura de estilo periodista cuyo contenido psicoanalítico, lejos de las pedantería de sillón y en el alma viva del cine, asumiendo con entusiasmo el lado efímero del espectáculo, la emoción y la diversión de la competencia, con su aspecto posiblemente regresivo (pero ¿Acaso el cine no tiene nunca una vertiente regresiva?). Luego, después del bullicio, el análisis.

Con el cierre del Festival, como ocurre al final de un proceso analítico, cada película se abrirá camino, tiene su propia vida, en parte imprevisible. Como si el paciente fuera “olvidado” por su analista y lo dejara ir al mundo.


El ganador del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia: una paloma sentada en una rama reflexionando sobre la existencia

Rossella Valdré

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“De alguna manera parece llenar mi cabeza con ideas ...
sólo que no sé exactamente qué son "
(Lewis Carroll)

La ganadora del León de Oro a la mejor película en el 71 ° Festival Internacional de Cine de Venecia es Una paloma sentada en una rama reflexionando sobre la existencia, la última parte de la trilogía del director sueco Roy Andersson "sobre el ser humano", que incluye Canciones del segundo piso (2000) y Tú, los vivos (2007). Al recibir el premio, Andersson dijo: "Estoy muy conmovido, la razón por la que me convertí en director es mi amor por el cine italiano", citando Bicycle Thieves de De Sica. Añadió: "Ustedes los italianos tienen buen gusto", aunque existe el riesgo de que los italianos nunca vean su película en su cine local, ya que en este momento no está prevista su distribución. Esta es una especie de ironía, en consonancia con la desoladora sensación de frustración que atraviesa los reflejos de la "paloma".

La película se compone de treinta y nueve tomas estáticas, un único movimiento imperceptible de la cámara, comentado por las cartulinas. Treinta y nueve ventanas a la condición humana. Treinta y nueve cuadros maravillosamente enmarcados, de los que emana una luz lívida que impresiona al público por la nitidez de sus perfiles, la perfección con la que se perfilan las figuras, el fondo. Cada detalle es una necesidad, cada movimiento de los personajes tiene un sentido, cada línea entregada contiene estratos de mensajes directos e indirectos que involucran a la audiencia en un nivel consciente e inconsciente. Cada escena es a la vez de cruda y cruel realidad y, al mismo tiempo, es abstracción y metáfora. Cada toma está saturada de humoir noir, que obliga a reír entre los dientes apretados.

La primera escena, que inspira el título, trata sobre un hombre que mira aturdido una paloma disecada en la vitrina de un polvoriento museo de historia natural, mientras su esposa lo espera, perpleja. Posteriormente: un hombre muere de un infarto al intentar abrir una botella de vino; la cojeante Lotta de Gotemburgo canta, al son de Gloria, Gloria, Aleluya, sobre la grappa servida a cambio de besos; en un bar a las afueras de algún pueblo apartado, el rey Carlos XII entra a caballo con sus soldados camino de luchar contra los rusos y quiere llevar al joven camarero a su tienda; los soldados del pasado fuerzan a un grupo de nativos dentro de un gran recipiente y proceden a asarlos; una lección de flamenco con el profesor abusando sexualmente de un joven alumno. Estos y más son los personajes que se suceden uno tras otro, yendo y viniendo, a veces precedidos por tarjetas de título, en las escenas breves de naturaleza teatral.

Las figuras más emblemáticas, que regresan y dan continuidad a estos fragmentos del mundo aparentemente inconexos, son dos vendedores del "sector del entretenimiento". Se ven desaliñados, grises, imperturbables con rostros cenicientos e inexpresivos que intentan vender a compradores improbables "colmillos de vampiro que caninos extralargos; el clásico saco de risa; y un nuevo producto en el que realmente creemos, una máscara de tío con solo una diente". Otra característica recurrente es la frase dicha por teléfono por uno u otro de los personajes: "Me alegra saber que estás bien. Sí, dije, me alegra saber que estás bien". El interlocutor es la audiencia. Somos los que preguntamos: "Lo siento, ¿qué dijiste?", Y escuchamos la respuesta: "Sí, dije, me alegra saber que estás bien". Alrededor hay una desolación total.

De esta manera Andersson cita el cabaret expresionista alemán, Brecht, Beckett, Valentin, Buñuel, los cuadros de Hopper y Bruegel, la fotografía de Olaf y los reformula en una forma cinematográfica original y rigurosa.

Durante la proyección me sentí como Alicia a través del espejo (A través del espejo y lo que Alice encontró allí, Lewis Carroll, 1872), donde todo es familiar y, al mismo tiempo, al revés y al revés. Después pensé que esta asociación no era tan descabellada. Carroll era un genio del sinsentido y esta obra ha sido descrita como "una biblia del absurdo", "una saga del inconsciente", con una cantidad de símbolos sumamente atractivos, quizás demasiado atractivos, para el psicoanalista, como en esta película. Su mayor mérito es dejarnos entrar en juego creativo (Winnicott, 1971), en el que la realidad (interna y externa) es una producción conjunta del artista y el público, como debería suceder en el 'set-ting' analítico. Una producción que no deja de sorprender, como en "la doble visión apariencia / realidad característica de la ironía" (Sacerdoti, 1987), de la que se impregna la película.

Isabel Marchiori