Año de los cortometrajes

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El Comité de IPA en Cultura quiere hacer de 2021 un Año de pantalones cortos. Cada mes, le enviaremos un enlace a un cortometraje junto con una breve descripción y algunos pensamientos personales de agradecimiento. Los cortos serán seleccionados y presentados por miembros del Comité de IPA en Cultura. Tómese unos minutos de su día para ver estos cortometrajes, y sea tocado, perplejo, encantado, intrigado, conmovido o inspirado. No se requiere trabajo, ningún significado particular adjunto. Será un momento privado de descubrimiento para ti.
 
Cordelia Schmidt-Hellerau
Presidente del Comité de IPA en Cultura 

 

Diciembre: Bill Viola, La piscina reflectante, 1979

“Las cámaras son las guardianas del alma”, dice el videoartista Bill Viola, cuyo trabajo abarca temas como la vida, la muerte y aspectos de la conciencia. Ver The Reflecting Pool es reflexionar, pensar en el día en que vino y se paró cerca del agua, donde lo vi, duplicado en su reflejo, simplemente parado allí por un tiempo, y luego, ¿saltó o no? No puedo decidirme porque todo movimiento se congeló y el agua se detuvo en este día de finales de verano cuando desapareció ... Pero todavía lo veo allí, siempre lo haré, incluso quise verlo caminando de nuevo hacia mí, con ella, en el otro lado. al lado de la piscina, o era solo su último reflejo en el agua oscura, como una luz que brilla en la noche, pero luego, de nuevo lo vi, ¿no es así ?, saliendo de la piscina y desapareciendo, desviándose del agua, permaneciendo ahí siempre siendo el reflejo para ser recordado. Seleccionado y comentado por Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston

Septiembre:  Fuego (Pozar) por David Lynch, 2020

Los bocetos de David Lynch para el cortometraje “Fire (Pozar)” fueron animados por Noriko Miyakawa y musicalizados por el compositor polaco-estadounidense Marek Zebrowski. Lo que vemos se parece a la tierra, con sus campos y casas y cuerpos, pero sus ubicaciones están localizadas solo por ciertos marcadores culturales, como escenarios de teatro, dibujos infantiles de árboles y casas, edificios euroamericanos. Una figura humanoide con unas fauces grotescas enciende un fósforo que quema un agujero a través del cual se retuerce una criatura parecida a un gusano. En esta película, las propiedades de las cosas y los cuerpos son fluidas; las superficies se convierten en membranas solo después de la permeación, la textura se vuelve piel solo después de que la cámara / mirada toma su distancia. “Fuego (Pozar)” parecería ser lo que la mayoría de sus comentaristas piensan que es: catastrófico, apocalíptico, espantoso, doloroso. El momento de su relanzamiento en 2020 parece respaldar esta afirmación, ahora que están comenzando los incendios verdaderamente grandes (Australia, California, el Ártico) y la última parte de la naturaleza salvaje del mundo está siendo consumida por la codicia de la villanía Lynchiana ( capitalismo autoritario de última etapa), y los niños mueren en todas partes después de una corta vida de pesadilla llena de violencia, explotación y privaciones. Sin embargo, quizás no todo esté perdido. En la película, brazos negros se extienden para cubrir los ojos de una cabeza de niño llorando. Los brazos son lisos, no granulados como el resto de la película, y se refieren estilísticamente a la claridad de forma característica de tanta animación contemporánea. Este acto de cuidado es un regalo de cierto estilo artístico, una especie de intervención creativa que a lo largo de su corta historia ha defendido la reanimación, la resurrección de entre los muertos, el reensamblaje de cuerpos triturados o desmembrados. Si la imaginación creadora no garantiza nada, especialmente en esos tiempos oscuros de los que también es responsable, también lo promete todo. Leer más aquí Seleccionado y comentado por Aranye Fradenburg Joy, Santa Bárbara, EE. UU.  

Junio: Benigno por Pinja Partanen, Jasmiini Otelin, Elli Vuorinen (2009)

En su cruda pero también ingeniosa simplicidad, este cortometraje de animación finlandés logra transmitir, años antes del encierro de Covid-19, la vida de un hombre en soledad y aislamiento: mirando por la ventana, fumando un cigarrillo, aplastando una mosca, leyendo Batman, quedarse dormido. ¿Qué podría estar pasando adentro? Aflora algo de protuberancia, extraña y, sin embargo, con una cara, una sonrisa y ojos que lo miran. Preocupado al principio, luego perplejo, pronto aprende a amar a su nuevo compañero. Él le lee, se toma una selfie de los dos, los hornea como un divertido dúo de pan de jengibre, toca el xilófono con él y celebra el primer cumpleaños de su nuevo amigo. Está alterado, ya no está solo, la vida es divertida, hasta que ... Embalado en solo ocho minutos casi silenciosos, agradable e inquietante en igual medida, Benigni es una pequeña obra maestra. Seleccionado y comentado por Andrea Sabbadini, Londres  

Marzo: Remolque (2010) por Nicola Constantino

Este video hipnótico y cautivador del reconocido artista argentino, Nicola Constantino, miembro del movimiento / grupo 'Arte Contemporáneo', se complementa con una instalación con el mismo nombre, Avance. Igualdad - duplicación, el otro - yo, 'el doble' / 'doppelganger' son figura y 'leitmotiv' de la película, revelando los sueños, deseos y fantasías de algo femenino. Avance surge del proceso del embarazo de la artista, a los 45 años, por medio de un donante anónimo. El miedo a la maternidad y a lo desconocido se elabora en su obra de arte: al crear su doble se convierte ella misma en una obra de arte, 'un antídoto contra la soledad', o 'dos ​​cuerpos con una sola alma' frente a la extrañeza (dice Nicola). Las fuentes literarias y cinematográficas de Trailer encarnan la idea de Freud de lo 'siniestro' así como el concepto de identificación. Nicola incluye a su hijo recién nacido en la película y descubre que no solo ya no necesita al doble, sino que ahora la ve incluso aterradora. Atrapados por la fascinación y el horror, la película podría inducirnos a pensar y sentir ... un poco más allá de lo conocido. Seleccionado por Gabriela Goldstein, Buenos Aires, marzo de 2020. Español | FrancésAlemán

Noviembre: Soul in the Eye de Zózima Bulbul, 1973

“Soul in the Eye” es un cortometraje clásico de 1973, interpretado y dirigido por Zozima Bulbul, una defensora de la cultura afrobrasileña. Acompañado musicalmente con 'Kulu se mama' de Julian Lewis, el cortometraje cuenta la historia de los negros en Brasil desde su secuestro en África con fines de esclavitud hasta la actualidad, cuando supuestamente son libres y gozan de derechos civiles. La película en blanco y negro atribuye a estos colores una profunda dialéctica donde el cuerpo, verdadera residencia del alma y el negro en su esencia, sufre reprimenda, represión y negación a favor de una prenda blanca encadenante, que deja el alma, ojo de nuestro cuerpo, esposado y preso. El racismo en Brasil sigue siendo negado y desautorizado masivamente. A pesar de este desmentido -en paralelo al regreso de los reprimidos- en las disputas y movimientos de la ciudadanía, este problema es más recientemente planteado y discutido también en nuestras instituciones psicoanalíticas. Seleccionado y comentado por Daniel Delouya

Agosto:  Ay Willy (2012) por Emma De Swaef y Marc James Roels

Willy, después de haber perdido a su amor por la muerte, cae en un mundo nunca antes visto. Esto es lo que nos muestra el cortometraje premiado, sensiblemente escrito y dirigido por Emma De Swaef y Marc James Roels (Bélgica, Francia y Holanda, 2012), con un magistral diseño de sonido de Bram Meindersma. Privado de su comodidad y rutina familiares, desnudo y solo, la vida de Willy da un giro extraño. ¿Qué monstruos y milagros encontramos en su camino? ¿Qué peligros, amenazas y sorpresas deben abordarse? ¿Quién puede esperar más allá de la siguiente esquina? En un mundo lanoso de piel desnuda, Willy flota a través de un universo maravilloso en su silenciosa búsqueda de consuelo. Ingenuo, vulnerable pero valientemente decidido, Willy capta nuestra atención. Su extraño viaje es intensamente conmovedor. En tiempos turbulentos de pérdidas difíciles, compartimos con ustedes este corto sorprendente, retratado en escenas de un guión inesperadamente delicado pero poderoso que esperamos los sorprenda y abrace, como lo hizo con nosotros. ¡Oh, Willy! Seleccionado y comentado por Cláudia Antonelli, Campinas, Brasil.

May: Madame Tutli-Putli, de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski (2007).

Los cineastas con sede en Montreal Chris Lavis y Maciek Szczerbowski, galardonados directores, animadores, escultores, artistas de collage, guionistas y directores de arte, nos llevan a un viaje misterioso, confuso y a veces estimulante. Madame Tutli-Putli, cuyo nombre fue tomado del título de un libro de 1920 del escritor polaco Stanislaw Ignacy Witkiewicz, fue nominada al Mejor Cortometraje de Animación en los Premios de la Academia 2008, con una banda sonora magistral de David Bryant y Jean-Frédéric Messier. Madame Tutli-Putli aborda un tren nocturno con una cola de objetos personales: pasado y presente, real y no, familiar y misterioso. Las polillas la persiguen por dentro y por fuera. ¿Sueño, pesadilla o ... vida? ¿Ella se va? ¿Ella se está moviendo? Ella esta viajando? Junto a los personajes vestidos con trajes basados ​​en el trabajo icónico del pintor alemán George Grosz, Madame Tutli-Putli es un personaje contemplativo cuyos sentimientos y emociones parecen correr por su piel y sus ojos expresivos. Un viaje en tren hacia la noche de Madame Tutli-Putli es a lo que te invitamos, en esta edición de mayo del mes de ICC. Seleccionado y comentado por Cláudia Antonelli, Campinas, Brasil. Disponible en: Español, Francés y Alemán

febrero: Felix en el exilio (por William Kentridge, 1994)

Descubrir al artista sudafricano William Kentridge y sus famosas películas animadas, producidas por sucesivos dibujos al carbón, fue para mí una experiencia mágica y transformadora con el arte y el cine por igual. Kentridge explicó que el uso del carbón le permite borrar y pintar sobre una imagen mientras conserva los rastros de sus precursores, revelando así un proceso mental como el que Freud describió en Una nota sobre el 'Bloc de notas místico' (1925). El arte de Kentridge, gentil y de pesadilla, se refiere a lo que nos gustaría ignorar: nuestro deseo de amor y miedo a la pérdida nos avalan donde la política brutal, la injusticia social y el sufrimiento humano impregnan nuestras mentes, se infiltran en nuestros sueños y perforan nuestros corazones. Mirando a los ojos de una mujer que lo mira, Félix, un ser humano desnudo hasta la médula, lucha con la avalancha de imágenes inquietantes. No puede o no los borrará, y si se van por un momento, resurgirán al siguiente, lentamente o con una sacudida repentina. Su exilio es su mente. Kentridge habló una vez sobre el desmembramiento del pasado, y me llamó la atención que su complemento es recordar, que es reunir lo que nos viene en pedazos. Balanceándose entre el deseo de olvidar y la necesidad de recuperar, la canción de nuestro presente es triste, elevando una imagen para sumergirla en la siguiente. Lo que se mantiene en una página se irá volando, y lo que aparece en la noche desaparece en el día. Seleccionado por Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston, febrero de 2020.

Octubre: Cara de muñeca por Andy Huang, 2007

El galardonado cortometraje de Andy Huang es una hábil combinación de música, animación digital, gráficos por computadora y formas robóticas, no sin alusiones al cine y la literatura: el ojo roto de la muñeca refleja el "Chien Andalou" de Bunuel, y sus apéndices de metal temblorosos luchan como los de Kafka. patas de insecto. Implantada sobre un cuerpo de metal en movimiento, la cara de la muñeca, despertando de las sombras y tratando desesperadamente de cobrar vida y comprender un mundo confuso en la pantalla, resucita la fascinación, el sueño y la pesadilla seculares de la búsqueda del hombre por convertir lo inanimado en animado. Atrapado por su propia tecnología, la cara revivida en su cuerpo filiforme de metal finalmente se rompe a medida que el mundo en la pantalla se apaga. El mensaje de Huang suscita interrogantes desconcertantes sobre el poder de las imágenes visuales en nuestro mundo contemporáneo y el riesgo de construir identidades ficticias e imitativas, modelos televisivos de muñecas que solo falsifican afectos y emociones. ¿Creará nuestra tecnología de comunicación cada vez más sofisticada un mundo que se desvíe hacia la ruina en lugar de desplegar el esplendor que anuncia? Seleccionado y comentado por Paola Golinelli, Bolonia

Julio: POR EL MAR por Charlie Chaplin (1915)

Charlie dice: Anoche tuve un sueño. Estaba junto al mar, hacía sol y calor, y caminaba tranquilamente disfrutando de mi plátano ... Entonces vi a mi hermano. Tuvo una discusión con su esposa, porque estaba borracho, así que interfirí y nos peleamos. Me agarró el sombrero y no me gustó, luchamos un poco, solo fraternalmente. De todos modos, su esposa se había ido, pero ella regresó, le gusto. Ella me sonrió, como si disfrutara ver que su esposo había recibido una pequeña paliza. Nada serio. Luego nos arreglamos y fuimos a tomar un helado. Pero él no quería pagar, y nos peleamos por eso. En el otro extremo del bar había un tipo enorme: me recordaba un poco a mi padre, la misma barriga, el mismo atuendo pomposo. De alguna manera se involucró, pero me escabullí, y allí estaba el amor de este tipo, solo y preocupado. Me senté a su lado para calmarla. Pasamos un buen rato. Pero de repente su compañero regresó y me amenazó, porque me estaba riendo con su esposa. Salí corriendo y volví a mi cuñada para explicarle todo. Sin embargo, todos vinieron detrás de mí. Saltaron al banco, donde estaba sentado ... Temí por mi vida ... y me caí de la cama ... Desperté con el corazón palpitante. Seleccionado y comentado por Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston  

Abril: Ojo de pez (1980) por Josko Marusic

Durante el período de la ex Yugoslavia (1945-1991), existió un grupo de artistas de fama mundial conocido como la Escuela de Animación de Zagreb (1956-1983). Una de sus obras maestras es FISHEYE (1980) de Josko Marusic. Este corto de suspenso, creado hace 40 años, puede parecer casi profético hoy en día mientras luchamos con la furiosa pandemia de coronavirus. Evocando conmoción y horror, nos confronta con el poder de la naturaleza. Al igual que estos pescadores metafóricos, usamos y abusamos de nuestro planeta y sus recursos sin cuidado ni límites. Sin embargo, cuando la naturaleza contraataca, nos sentimos impotentes. La oscuridad de la noche en el interior se destaca en sentimientos de miedo incluso en casa, en la inutilidad de un esfuerzo tardío por huir y, finalmente, en calles vacías y a la vista de cadáveres mutilados. La aparición repentina de un enemigo mudo con su agresión inexorable, expresada en la feroz mirada del pez, se yuxtapone al paisaje pictórico de un pequeño pueblo mediterráneo junto al mar. Al final de la película, cuando amanece, miramos desde la distancia la silueta de un pueblo ahora casi vacío y sin vida. Con su estilo único de dibujo, Marusic (que también hábilmente y hábilmente comenta en sus dibujos animados sobre la realidad de la vida en la Croacia actual), junto con el escritor Goran Babic y el compositor Tomica Simovic (cuya banda sonora dramática nos recuerda las películas de Hitchcock), tienen creó una obra de arte atemporal, que nos muestra el futuro reflejado en el brillo del ojo de pez. Seleccionado y comentado por Stanislav Matacic, Zagreb, Croacia.

Enero: Cuento de cuentos de Yuriy Norstein (1979)

Un cortometraje de animación ruso que capturará tu imaginación y tus corazones. Por supuesto, sus imágenes y sonido resuenan más allá de las fronteras nacionales y nos recuerdan por qué y cómo el arte trasciende las fronteras artificiales. ¡Esta película ganó premios y es considerada por muchos como la mejor película animada de la historia! Te animo a mirar antes de leer sobre Tale of Tales; Lo hice, y todavía floto antes de su invierno, música, baile, manzanas caídas a medio comer, guerra, juventud, pérdida, padres, mujeres, liras, envejecimiento, bebé lactante, ojos, despedida - luz / fuego / letras ... Y todos esos animales comunes: gato, pez, toro saltador de cuerdas, cuervos, lobo errante que nos cuentan la historia de la vida en sus transformaciones mágicas que son más que significantes soviéticos ... son la condición humana. Seleccionado por Barbara Stimmel, Nueva York, enero de 2020.